Saturday, November 15, 2008

TYRONE POWER: 50 AÑOS DESPUES




Un día como hoy, hace exactamente 50 años, murió en Madrid, TYRONE POWER (1914-1958), uno de mis máximos ídolos cinematográficos. Quiero rendirle en estas líneas un pequeño homenaje, como muestra de que su legado continúa vigente aún para quienes hemos nacido mucho después de su fallecimiento. El cariño que sus admiradores sentimos por él, es prueba de que, a pesar de haber transcurrido medio siglo de su muerte, nunca le olvidaremos.

HA MUERTO TYRONE POWER UNA VIDA EJEMPLAR DE VOCACIÓN ARTISTICA

Como es sabido, en unos Estudios madrileños se rodaba, a las ordenes de King Vidor, la superproducción "Salomón y la reina de Saba" con Gina Lollobrigida y Tyrone Power en los principales papeles, al lado de George Sanders, y con la colaboración de algunos actores españoles.
Tyrone Power llegó a los Estudios minutos antes de las nueve de la mañana. Se introdujo en su camarín ambulante, aparcado al aire libre, donde se rodaba. Una fachada enorme representaba el templo de Jehová.
Llegó el director y con él todos los que tenian que estar allí. Al poco rato, "Ty" salió del camarín con su indumentaria de Salomón. Dió los ultimos toques a su maquillaje, y con su sonrisa de siempre saltó al plató.
Habia que rodar la escena correspondiente al regreso al templo. El director hizo repetirla varias veces. "Ty" no mostró ni siquiera cansancio. En el rodaje era inagotable y daba siempre el máximo.
Mr. Power regresó después de tomados estos planos a su camarín. Fuera hacía frío. Salió instantes después y solicitó una copa de coñac. Después estuvo jugando con varios actores a una especie de "béisbol" improvisado. Se sentó luego en su silla de lona y permaneció así algún tiempo.

SE ROMPIERON LAS ESPADAS

De nuevo sonó la orden del director reclamándole a escena. Tenía que desarrollar un duelo a espada con George Sanders. Comenzó la secuencia... Los dos galanes ponían todo su ardor en la lucha, hasta el punto de que en algunos momentos Sanders tuvo que ser sustituído por su doble. Tambien el doble de Tyrone Power contemplaba la escena de cerca. Pero sin que hasta entonces hubiera tenido necesidad de intervenir. Pues el malogrado actor -un magnífico tirador de esgrima- preferia ser doblado lo menos posible.
El agotador duelo se prolongo, al parecer, cerca de una hora, con las interrupciones lógicas del rodaje. Las dos espadas se rompieron en distintos momentos y tuvieron que ser sustituídas por otras.
En la lucha, Power tenía que caer al suelo. Lo hizo con tal realismo, que incluso recibió un rasguño sin importancia. "Ty" fue asistido entonces en el botiquín por una enfermera muy competente, a quien todos conocen en los Estudios por el cariñoso apodo de "la Tata".

LA ULTIMA FOTO DE SU VIDA

El malogrado actor se sento a descansar en la silla de lona y encendio un cigarrillo. Nada presagiaba la tragedia que muy poco despues habria de desarrollarse.
Se le acerco un extra y le pidio una fotografia personal dedicada.
-No tengo ninguna encima - sonrio "Ty". Pero si se lo dice usted al fotografo, tendre mucho gusto en posar con usted.
Al ver que se hacia la foto, algunos otros comparsas se acercaron y formaron un grupo en torno a el. Power paso sus brazos por los hombros de dos de ellos, y el fotografo disparo su maquina.
A todo esto, Gina Lollobrigida seguia las incidencias del rodaje, vestida tambien para sus intervenciones, muy cerca del plato.

CON EL MANTO DE GINA

"Ty" se volvio a sentar. Hizo un ademan como si le doliera algo. Pasaron unos segundos y se incorporo. Avanzo un poco. Dio un traspies y cayo fulminado.
Al principio no se advirtio la gravedad del hecho, y todos pensaron que habria sufrido un colapso. Su doble se situo ante las camaras para proseguir el rodaje.
En seguida llego el productor, acompañado por la enfermera. Esta tomo el manto de seda color naranja que lucia Gina y cubrio con el a Tyrone para resguardarle del frio.
Reinaba cierta confusion en los Estudios. Pero nadie sospechaba la gravedad de lo que habia de ser la ultima escena de la vida de un gran actor.

YA ERA TARDE

Mr. Richmond dio aviso inmediatamente al sanatorio Ruber para que se desplazara un medico hasta alli. Pero se penso en seguida que seria mas efectivo trasladar a "Ty" a la clinica directamente.
Instantes despues, un Mercedes gris frenaba a la puerta del sanatorio. Aun tuvo "Ty" fuerzas para musitar unas palabras: "¡Dios mio, Dios mio!..."
Cuando "Ty" fue sacado del coche estaba ya sin vida. No obstante, en ese momento critico en el que parece que aun se puede hacer algo por salvar a los muertos, "Ty" fue introducido en uno de los quirofanos, y alli se trato en vano de volverle a la vida.
Pero ya era tarde.
Se le dejaron las vestiduras, excepto las botas, que hubo que quitarselas al entrar en el quirofano.

EN EL SOTANO

El cuerpo fue llevado en una camilla hasta el sotano del sanatorio, y alli quedo solo y cerrado con llave en una habitacion gris.
Pronto corrio la noticia por Madrid. Y las agencias de Prensa de todo el mundo comenzaron a hacer funcionar sus teletipos.
Desde primera hora de la tarde, periodistas y buen numero de curiosos -especialmente del genero femenino -rodearon materialmente el edificio de la clinica. Comenzaron a llegar visitas particulares.

CUATRO MALETAS SOLITARIAS

Al filo de las dos de la mañana llegaron a la Aduana las maletas de "Ty" y de su viuda. Un equipaje sencillo, pero que encerraba cierto simbolismo. Se comprobo la documentacion correspondiente. Todo estaba en regla. La viuda de "Ty" que acompañaba a su esposo en este ultimo viaje, habia solicitado permiso para entrar directamente con el coche hasta el pie del avion.
Las maletas fueron depositadas en uno de los mostradores de carga, en espera de la llegada del avion.

LLEGA EL FERETRO

Despues de las seis de la mañana cruzo las pistas de Barajas una impresionante ambulancia norteamericana. Sus potentes faros sesgaron la madrugada fria. Los periodistas corrimos hacia alli. Y una descarga de "flash" se ciño sobre el vehiculo.
Llego con sus motores tremendos un Superconstellation procedente de Roma y sus tremendas horas de retraso.
Bajaron los pasajeros. Y la ambulancia avanzo lentamente hacia la parte trasera, destinada a las maletas. El feretro fue izado e introducido en el avion, mientras los fotografos accionaban sus camaras.

LLEGA LA VIUDA

Finalmente, tres coches cruzaron en muda caravana las pistas y llegaron tambien al pie del avion.
Debbie Anne Minardos descendio acongojada, la tomo del brazo el productor y avanzo con ella hasta la escalinata. Su rostro delataba el intimo sufrimiento. Su llanto no era esa mascara que tan acostumbrados estamos a ver, sino el reflejo de la tragedia sentida de plano, de la desgracia irremediable, de ese momento desesperado en que el mundo se nos cae encima.
Anne, a pesar de su rostro inundado de lagrimas, estaba hermosisima. Sus mejillas de muñeca conservaban ese rubor de madre joven.
Sonaron los motores. Era un ruido pegajoso, un zumbido mas en la noche de Barajas.
El avion surco los aires. "Ty" habia emprendido su ultimo viaje.
Julio CAMARERO
(Publicado en "Sabado Grafico", Madrid-España, 22 de noviembre de 1958)

Tuesday, October 31, 2006

LA PELICULA DEL MES: TESTIGO DE CARGO (WITNESS FOR THE PROSECUTION) 1957

Advertencia: Si aún no ha visto esta película es preferible que no lea este artículo pues contiene partes importantes de la trama y el desenlace.

Estamos ante una de las mejores películas de todos los tiempos. Obra maestra absoluta. Impagable lección de cine a cuenta de un interesantísimo policíaco de intriga sumamente inteligente, impregnado de un ingenioso y distinguido toque de irónico humor que atrapa al espectador de principio a fin y le da a respirar, permanente y despacio, un ambiente de máxima expectación. Sus diálogos son extraordinarios, la dirección es excelente, los actores están magníficos y sus primeros veinte minutos son de una comedia perfecta. Una obra maestra cuyo broche final es un rebuscado lío de guión por el que la película corre el riesgo de sufrir una injusta subestimación. Algunos críticos coinciden en afirmar que el final flojea, sobrándole un par de giros que confunden al espectador y que el problema reside en que la trama va descubriendo errores monumentales que hacen que su final sea uno de los más tramposos y aparatosos de la historia del cine.

ARGUMENTO

Octubre de 1952. El prestigioso abogado criminalista Sir Wilfred Robards (Charles Laughton), enfermo del corazón, tiene que abandonar el alcohol, el tabaco, la compañía femenina y los juicios criminales por prescripción médica. Regresa de una larga estancia en el hospital aquejado de una dolencia cardíaca acompañado de su insoportable enfermera, la señorita Pilmsoll (Elsa Lanchester) quien no cesa en ningún momento de recordarle sus obligaciones de enfermo aún convaleciente y "castigado" por los médicos a una dieta a base de casos civiles (separaciones matrimoniales, desfalcos y denuncias por siniestros con el seguro de turno).
Pronto, llega a su despacho un asesor legal amigo suyo, acompañado de un hombre agradable y simpático llamado Leonard Vole (Tyrone Power), y le presenta su caso. Vole es un hombre dedicado a trabajos poco cualificados como el de probador de juguetes para niños en grandes almacenes, reparador de máquinas extrañas, y que ahora después de su estancia en Alemania con motivo del servicio militar, se dedica al oficio de inventor de cosas tan "prácticas" como la batidora de huevos que además separa la clara de la yema. El caso es que está implicado en el caso del asesinato de una dama cinquentañera llamada Emily French a la que conoció cuando ojeaba una tienda de sombreros el día del cumpleaños de su mujer alemana Christine Helm (Marlene Dietrich), y de la que posteriormente se hizo gran amigo con el propósito egoísta de conseguir fondos para su "innovador y revolucionario" invento. Cuando se descubre que la difunta le deja en herencia ochenta mil libras, la cosa se complica paradójicamente para Leonard.

Robards pasará por alto las saludables recomendaciones de su médico y al creer en su inocencia accede a defenderle en el proceso que tendrá lugar durante casi un tercio de la cinta, y en la que numerosos testigos son citados a declarar. La principal testigo que tiene la defensa será la mujer de Vole, Christine (Marlene Dietrich), quien esta en todo momento defendiendo al acusado pero cuando todos esperaban que Christine se citase como testigo de la defensa llega la gran sorpresa: Christine es un Testigo de cargo. A partir de entonces se suceden los diversos giros y contragiros que hacen de esta película una pieza maestra, muy por encima de la obra teatral epónima de Agatha Christie.

HISTORIA DEL RODAJE

Testigo de Cargo es una película de Billy Wilder -director magistral aún fuera de sus registros- filmada en 1957. Junto a "Perdición" y "El crepúsculo de los dioses" -además de sus dos obras maestras indiscutibles: “Con faldas y a lo loco” y “El apartamento”- son la plasmación cinematográfica de un director clásico, de un narrador sobrio y del cine en estado puro: contar historias. Wilder debería atribuirse los meritos que se le han asignado a Kubrick, dominar los generos y cambiarlos y no es justo que pase a la historia como el mejor director de comedias.

Esta película es la adaptación al cine de la obra teatral creada por Larry Marcus del relato The Witness for the Prosecution firmado por la reina del misterio Agatha Christie, publicado en el año 1933 en una colección llamada The Hound of Death. La verdadera responsable y principal impulsadora de su adaptación cinematográfica fue Marlene Dietrich ya que propuso a la United Artist llevar al cine la obra de teatro reservándose el papel protagonista y exigió que el director fuera Billy Wilder, con quien ya había trabajado en Berlín Occidente, habiendo desde entonces labrado una gran amistad. En esta película Marlene realizó una de las interpretaciones cumbre de su carrera trabajando durante el rodaje como si su vida dependiera de esta interpretación. Wilder, que deseaba hacer una cinta de intriga al más puro estilo Hitchcock aceptó encantado el proyecto y tomando como punto de partida la mencionada obra teatral "Veredicto" de Christie, la adaptó escribiendo el guión junto a Harry Kurnitz -guionista habitual de comedias para Danny Kaye-, realizando una adaptación perfecta hilvanando toques de comedia. Christie asegura el suspense y Wilder el humor. Una mezcla perfecta cuya elegante alternancia entre comedia y drama brillan con luz propia.
Wilder tenía claro que Wilson Robards sería personificado por uno de los mejores actores de todos los tiempos, el gran Charles Laughton -un Laughton impagable que hace uso de un humor medido e ingenioso, acaso mordaz, a lo largo de todo el metraje- y que la enfermera Plimsoll que sigue a todos lados a su paciente para que se tome su medicación y no cometa excesos sería Elsa Lanchester, esposa en la vida real de Laughton -todo un acierto porque las escenas que tienen juntos son lo más divertido de este filme que combina a la perfección el melodrama judicial, el misterio y el humor-.

La cinta se rodó en Londres con un presupuesto de 3 millones de dólares y llegó a recaudar casi ocho millones de dólares convirtiendose en todo un exito de público. La propia Agatha Christie se sintió muy contenta y alabó la versión que Wilder hizo de su obra. Hoy Testigo de cargo (la película británica de Wilder) es considerada una de sus peliculas más críticas y llenas de ironía, además de una de las favoritas del público.

COMENTAN LOS PROTAGONISTAS
Billy Wilder: Esta cinta fue para Wilder una de sus mejores películas y esto gracias a su colaboración con Charles Laughton, que hace uno de sus mejores trabajos -su carácter díscolo y por momentos agrio resulta de lo más atractivo que se vio nunca en pantalla-, de él dijo el realizador: "Laughton es el mejor actor con el que he trabajado. Durante el rodaje, cada tarde nos sentábamos y decidíamos qué escena rodaríamos al día siguiente, y la desarrollábamos. Después, Laughton entraba en mi despacho y me decía: - La escena que queremos rodar mañana me parece que es muy importante. Y se me ha ocurrido una idea. ¿Qué te parece si...?. Y a mí me parecía una idea brillante. Y después de una pausa me decía: - De todas formas, creo que... Y de nuevo interpretaba la escena con brillantes ocurrencias todavía mejores. Y esto se repetía hasta que me había interpretado veinte versiones de una escena y todo sin cambiar ni una sola palabra del texto. Cada una de sus interpretaciones era una versión más enriquecedora con respecto a la anterior. Y es que Laughton podía hurgar en su talento como un niño feliz en una caja de juguetes llena a rebosar. Es mucho más frecuente encontrarse con el otro extremo, es decir con el actor que es tan modesto, tan tímido, que no aporta nada de sí mismo".

"Me aburro si hago siempre lo mismo. Admiro a Hitchcock; pero no podría trabajar como él, porque siempre hacía la misma película. Me dije: 'Ahora voy a hacer una película mejor que Hitchcock' e hice Testigo de Cargo.
"Es muy difícil encontrar un proyecto que me interese y que a la vez tenga probabilidades en el mercado de hoy... Ahora el público mayoritario es menor de veinticinco años y carece de tradición literaria. Prefieren la violencia estúpida a una trama sólida; los tacos, a un diálogo inteligente; el desarrollo pectoral, al desarrollo de los personajes. Nadie escucha, sólo se sientan y esperan que les asalten una serie de sobresaltos y sensaciones fuertes...

"Son malos tiempos. Ernst Lubitsch, que con una puerta cerrada conseguía más de lo que la mayoría de los directores de hoy consiguen con una bragueta abierta, habría tenido graves problemas en este mercado. No encajo en ningún sitio. Puede que algunos directores digan: "Si quieren películas para el público joven, también sé hacerlas". Bueno, pues yo no sé. Si uno compone valses, no puede empezar a componer de repente música disco: sonará falsa.

Marlene Dietrich: Adoraba a Wilder. Dos ejemplos lo testimonian: Una vez le preguntaron que con quien le gustaría pasar una noche. Ella contestó: "Con Billy Wilder; pero no una noche, sino muchas noches. Yo le amaba, pero lamentablemente nos dimos cuenta demasiado tarde, cuando nuestro trabajo había terminado". En otra ocasión, a la afirmación que le hicieron de que ella había trabajado con muchos grandes directores, respondió categórica: "No, no, yo sólo he trabajado para dos grandes directores, para von Sternberg y para Billy Wilder", olvidándose de realizadores como Alfred Hitchcock u Orson Welles.

ESTRENO Y CRITICAS

La cinta se preestrenó en Londres ante la Familia Real; tras la proyección, Wilder les pidió que no revelaran el final. Su estreno se produjo en Estados Unidos en diciembre de 1957 y las críticas fueron por lo general sensacionales, pues no solo hablaban de la habildad de Wilder, llegando a mejorar incluso la obra original, sino del extraordinario trabajo de Charles Laughton.

El New York Times señaló: "Para ser un melodrama de tribunales sujeto a una única trama Testigo de cargo resulta una película extraordinaria", y subrayó la habilidad en la direccion de Wilder y la magistral interpretación de Laughton. Tanto Cue como Saturday Review consideraron que Wilder habia mejorado sustancialmente la obra; Newsweek la calificó de melodrama insuperable, pero se quejaba de que Laughton interpretaba "sus deberes legales con todos los gemidos, jadeos, resoplidos, suspiros, exhalaciones y demás aspavientos que el guión -y el director- puede soportar... Laughton domina el proceso con la satisfaccion de un viejo actor que ha encontrado la horma de su zapato".

Sin embargo, visualizando el film con detenimiento y más de una vez, pueden encontrarse algunas fallas en el guión y las actuaciones que hacen que algunos críticos aseguren que es una de las peliculas con el final más tramposo e increible de la historia del suspense. Entre las más destacables:
-Christine Helm Vole tiene un acento muy marcado hablando inglés pero cuando “interpreta” a la mujer que les entrega las cartas lo pierde completamente. Además es una gran maquilladora: crear esa cicatriz en la mejilla y parecer un travestido era para condecorarla.
-Cuando Leonard reconoce que fue a una agencia de viajes con una morena y que ambos mostraban sin pudor un grado de afección supino, ni el gran Sir Wilfrid Robarts ni el Fiscal recalan en algo: buscar a esa morena para confirmar o desmentir la versión de Leonard y que el papel de hombre ciegamente enamorado de su esposa se desmonta por completo.
-Desconozco qué se hacía con las pruebas en un juicio penal en Londres de los años 50, pero dejar el cuchillo con el que Leonard se corta encima de la mesa para que Christine se lo introduzca en el cuerpo en un ataque de celos es sorprendente, y más todavía teniendo en cuenta que habían pasado varios días desde que se mostró el cuchillo al jurado. Y por otro lado, parece imposible que en una Sala de audiencias se deje a un supuesto asesino sin esposar a dos metros de un arma blanca que se ha dejado escrupulosamente ahí durante todo el juicio.
-Continuando con la aparatosa escena final sorprende como Christine es capaz de matar a un hombre con una sola puñalada en el estomago y este caiga muerto (la enfermera le toma el pulso según cae y confirma su muerte en contados segundos). Por lo que se ve Leonard Vole tenía alergia mortal al acero.

COMENTARIO

Testigo de Cargo
es un clásico judicial para disfrutarlo en cualquier ocasión. Sin duda el mejor juicio de la historia del cine. Tiene una hora y media impactante, sobria e inteligente. Es el cine de juicios más grande, aquel que disecciona los hechos con el bisturí más fino y permite al espectador ser el juez del más apasionante e intrigante suceso. Uno tiene la sensación más bien de asistir a una nueva clase magistral del suspense de la mano de Hitchkock, pero ¡no!... Es Billy Wilder quien a todo eso ello añade su inconfundible sello, aquel del gusto por el humor inteligente, y los deliciosos dobles sentidos de los que estaban hechos sus irrepetibles e inolvidables diálogos. El resultado es una deliciosa película de grandes procesos judiciales o trials, de esas que creaban escuela, con un tono más aséptico que "Anatomía de un asesinato" de Otto Preminger, aunque más singularmente irónica y cómica.

Testigo de cargo es una obra de engaños y mascaradas en lo que nada es lo que parece. Una experiencia única e irrepetible con un inmenso Charles Laughton -este gran actor despliega en Testigo de cargo toda su dosis de inteligencia, recursos y sarcasmo- en un mano a mano con Tyrone Power, el inolvidable galán de la Fox que había empezado una nueva etapa de su carrera con personajes más dramáticos y complejos que los realizados por el en los años 40, cuando interpretaba generalmente personajes aventureros en películas de capa y espada. Tyrone Power y Charles Laughton nos han dejado en esta película las que pudieran ser las mejores interpretaciones de sus carreras, mientras que la frialdad germánica de Marlene Dietrich -que nos regala una interpretacion enigmatica y perfecta- y unas frases memorables hacen de ella una pelicula imprescindible de la filmografia de Wilder. Por otra parte, debo confesar, que a pesar de las brillantes interpretaciones de Laughton y Dietrich, y del gran director que filma la cinta, probablemente jamás habria visto la película si no hubiera estado Tyrone Power en el reparto. Quizá la insistencia de incluir a un actor carismático y taquillero en el elenco por parte del director y los productores haya ido por ese camino como veremos más adelante.

En conclusión, un guión estupendo, una dirección maestra, unos actores extraordinarios que hacen de esta una pelicula excepcional, antológica e imprescindible. Basta tratar de pensar que parte de la cinta es mas brillante: que si la Dietrich está genial, que si Power está perfecto en su papel de inculpado supuestamente inocente con un pie en la horca, que cada secuencia con la enfermera es más genial que la anterior, que si el termo de coñac, la silla-ascensor, el esparrame de los puros, los diálogos del juicio. ¿Cómo podemos pensar siquiera que si el cuchillazo del final es letal o que si es una muerte demasiado inmediata?. La verdad es que a todos nos encadiló, que da gusto volverla a ver, que el tiempo no pasa por ella, que las interpretaciones del trío Power-Dietrich-Laughton son fabulosas -sin olvidarse de secundarios como la enfermera de Laugthon-, que todo el proceso judicial se lleva a un ritmo de interés creciente, hasta desembocar en un final sorpresivo, como corresponde a una película de este género; y en fin, qué cuantos grandes maestros la hubieran querido dirigir. Así que si tiene o no tiene los defectos que se le imputan, me uno decididamente a los que no los vemos, ni tenemos que disculparlos.

Solamente me gustaría decir en favor de Wilder que observo la escena final más bien como una secuencia onírica que como un desenlace serio. Es cierto que no está brillantemente rodada; es verdad que el cuchillazo de Marlene a Tyrone se lo da en el estómago y es imposible que alguien muera de un cuchillazo a la barriga en pocos segundos. En todo caso la culpa es de la actriz que no le apunto bien al corazón, y del director que no hizo volver a rodar la toma. Por ello es posible que el hecho de que quedara asi, fuera deseo del director. Aún con todas estas imperfecciones, gracias al gusto a clásico irresistible que destila la cinta a lo largo de sus casi dos horas de metraje, resulta una de las experiencias más agradables que podamos vivir delante de una pantalla. Wilder al final de la película ruega a los espectadores no adelantar acontecimientos a los que aún no lo habían hecho. Yo no voy a ser menos, por eso espero que si no la han visto, hayan acatado mi inicial advertencia.

PREMIOS

Testigo de Cargo fue candidata a cinco Globos de Oro: película, dirección, actor protagonista (Charles Laughton), actriz protagonista (Marlene Dietrich) y actriz de reparto (Elsa Lanchester) y ganó solo en el apartado de actriz de reparto. Charles Laughton fue candidato al BAFTA, Billy Wilder al premio del Gremio de Directores y fue candidata a seis Oscars, en las categorías de: película (Arthur Hornblow Jr.), dirección (Billy Wilder), actor protagonista (Charles Laughton), actriz de reparto (Elsa Lanchester), montaje (Daniel Mandell) y sonido (Gordon Sowyer), no ganó en ninguno de los apartados. Fue el año de El Puente Sobre el Río Kwai y de Alec Guinness por su trabajo en esta cinta. En los Oscars de ese año competía como mejor película otra de las obras maestras sobre el cine judicial, Doce Hombres Sin Piedad de Sidney Lumet.

ANECDOTAS

Empecemos comentando una curiosidad: muchos de los espectadores cuando vieron Testigo de Cargo dijeron: "es sin duda la mejor película de Alfred Hitchcock". Esto sigue pasando en la actualidad, pues este film se considera aún hoy por muchos, como una de las mejores películas de Hitchcock; pero la hizo Billy Wilder y fue una de sus mayores satisfacciones.

Una O'Connor que daba vida a uno de los testigos, fue la única que había intervenido en la obra de teatro original interpretando el mismo personaje.

Laughton protagonizó una interesante anécdota durante la preparación de Testigo de Cargo. El actor no estaba seguro de poder interpretar a una persona con problemas cardíacos y fingió en la piscina de su propia casa un ataque al corazón. Su esposa, Elsa Lanchester, quien pensaba que todo formaba parte de la realidad se tiró muerta de pánico a la piscina a socorrer a su esposo. Después él le contaría que todo formaba parte de los ensayos.
Marlene Dietrich tenía sus piernas aseguradas y por este motivo tendría que tener al menos una escena en la que tenía que mostrarlas. Para ello se escribió expresamente una escena en la que se presentaba a su personaje, una cantante de cabaret que actúa ante los soldados durante la Segunda Guerra Mundial; contándose aquí como es que conoce a Leonard Vole. Para rodar la escena de su actuación se necesitó 148 extras, 38 dobles y costó 90.000 dólares.

Para el papel de Leonard Vole, Wilder quería una estrella como Tyrone Power pero en un primer momento el actor rechazó el proyecto porque el ritmo frenético de trabajo que llevaba le había dejado agotado y sumido en una gran depresión. Wilder anunció a los estudios que abandonaba el proyecto ya que no tenía a una estrella como Power en él. Los estudios se reunieron con el actor, le ofrecieron 300.000 dólares y un porcentaje de la taquilla y finalmente, aceptó. Testigo de Cargo fue la última cinta de Tyrone Power ya que falleció al año siguiente.

Y para terminar este artículo, recordaremos la siguiente anécdota que rodeó el estreno de la película en España en octubre de 1958. Por aquellos días Tyrone Power se encontraba en Madrid rodando un nuevo film y asistió al estreno; al salir de la sala un periodista le preguntó sobre el rodaje y para zafarse contestó: "No puedo decirle nada; ¿no ha visto que acabo de morir?". Falleció realmente al cabo de unos pocos días a causa de un ataque al corazón durante el rodaje en Madrid de Salomón y la Reina de Saba.

Sunday, October 15, 2006

DE COMO ERROL FLYNN JUGO A SER REPORTERO

Nota: El presente artículo apareció hace tres meses en una página de internet cubana. Este mes de octubre se cumple un aniversario más de la muerte de mi máximo ídolo cinematográfico, Errol Flynn. Próximamente, escribire un artículo especial sobre su vida con fotografías y detalles poco conocidos, pero en esta ocasión quería rescatar a traves de este excelente artículo de Carlos Espinosa Domínguez, los aspectos casi desconocidos que en el se narran sobre su última producción cinematográfica.
El documental 'Cuban Story' recupera unas imágenes filmadas en Cuba, que permanecieron almacenadas en Inglaterra durante cuarenta años.
Por Carlos Espinosa Domínguez, Nueva Jersey
lunes 28 de agosto de 2006




Desde hace ya algún tiempo circula un DVD que, si bien posee escaso valor cinematográfico, constituye cuando menos toda una curiosidad. No se ha exhibido comercialmente en los cines de los Estados Unidos ni tampoco en la televisión, pero Day's DVD ha sacado una edición que se puede adquirir en tiendas y a través de la Red. Se titula Cuban Story, aunque tan pronto uno lo comienza a ver descubre que en realidad se llama The Truth About Fidel Castro Revolution, "which is at once ungrammatical and charming in its presumption about divining fact from fiction", según comentó un crítico norteamericano.

Lo primero que se ve son los créditos, que se reducen a escrito y producido por Victor Pahlen. Como fondo sonoro se escucha la Marcha del 26 de Julio, que en los escasos cincuenta minutos que dura el documental se repite en varias ocasiones. Luego se ve un escritorio, sobre el mismo hay una bola del mundo de las que se usan en las escuelas, y detrás, un enorme mapa de Cuba cubre la pared. Aparece además el actor norteamericano(1) Errol Flynn, quien en las décadas de los treinta y los cuarenta conoció sus días de mayor gloria. Sostiene en las manos un cigarrillo con una boquilla, y no hace falta ser muy observador para darse cuenta de que lleva encima unas cuantas copas. Pasa entonces a decir un texto evidentemente improvisado, acerca de la situación política de Cuba y sobre un hombre que empezó a intrigarlo: "There's one particular man I want to tell you about, who stood firmly for them all, called Fidel Castro". Y lo califica como "un Robin Hood, un Salvatore Giuliano". Después toma la bola del mundo, camina hacia el mapa, señala dónde están ciudades mencionadas por él, como La Habana y Santiago.

Vienen luego unas imágenes de Carlos Prío, de Fulgencio Batista, de un desfile militar. El narrador (supuestamente, el propio Flynn) inserta algunas alusiones irónicas, como la de llamar la atención en el desfile de los "discursos, discursos, discursos" que se pronuncian. Hay asimismo breves referencias a la economía y, faltaría más, al turismo que llega a "the land of the rumba". Vemos después al actor cuando arriba en un Cadillac a un famoso casino habanero propiedad de su colega George Raft. El narrador se excusa de no poder mostrar a éste: "I'm sorry he wasn't in the picture here, but he was away in Hollywood doing something with Marilyn Monroe". El texto que se escucha en Cuban Story navega siempre en ese nivel de superficialidad, estilo soporífero, desaliño, apego a los tópicos y recurrencia a lo más banal. Muchos críticos le han señalado ese defecto, y anotan la ausencia de información relevante que pueda ubicar al espectador sobre lo que está ocurriendo en ese momento en Cuba.

El documental pasa entonces a mostrar "la otra Cuba", la que representa la mayoría de la población, la que no puede ir a los casinos, la de los campesinos que apenas ganan un dólar diario. Se ven asimismo escenas que muestran la brutalidad con la cual la policía batistiana reprime las manifestaciones en la calle, los cuerpos sin vida de los asaltantes al cuartel Moncada, las heridas en la espalda de un torturado, el sabotaje al aeropuerto habanero, la llegada del yate Granma, los rebeldes en las montañas, la batalla de Santa Clara.

Cuban Story se ha anunciado antes como el relato del largo itinerario hecho por Flynn para encontrar a Castro. Al comentar esa secuencia, el narrador expresa: "It doesn't take more than half a minute for anyone to realize that this was a man. A real man". Pero la evidencia visual del encuentro que se recoge se reduce a unas fotos, no a imágenes grabadas. En las notas que acompañan al DVD, David Kalat asegura que la razón es que cuando finalmente se encontró con Castro, Flynn estaba demasiado borracho y sólo estuvo un rato con él. Tiempo suficiente, sin embargo, para que su nombre pasara a figurar en la lista de las personas a ser investigar por el FBI.

En la última parte se ve la entrada en la capital de las fuerzas rebeldes, el júbilo del pueblo en las calles, el regreso de los exiliados, el reencuentro de amigos que no se veían desde hacía varios años, la reapertura de la Universidad de La Habana. Desfilan, entre otros, personajes como Rolando Cubela, Armando Bayo, Luis Orlando Rodríguez, Manuel Urrutia, Víctor Bordón, Che Guevara. Unas imágenes recogen la destrucción de la casa de Esteban Ventura Novo, el desenterramiento de los restos de personas asesinadas durante el batistato, la demolición de unas estaciones de policía. En otras asistimos al juicio de Sosa Blanco, así como al ajusticiamiento de un hombre negro en La Cabaña. Asimismo una vista aérea capta el millón de personas que se concentraron frente al Palacio Presidencial, para apoyar los fusilamientos. Cuban Story finaliza con Errol Flynn de nuevo ante la cámara. Da lectura a una postal que le ha enviado Castro, y en la cual expresa: "I invite you all to come to this beautiful island of Cuba, a beautiful land, where freedom and democracy and all the things men live by are a reality". El comentario de Flynn a esas palabras es: "And I believe that. You'll believe it too".

Guardado durante cuarenta años

Cuban Story tiene como introducción un testimonio de Kyra, la hija de Victor Pahlen, quien fue productor de varias películas. De All Day's se pusieron en contacto con ella para pedirle la autorización de uno de esos filmes, dirigido por Arriane Ulmer. Fue entonces cuando descubrieron dos trabajos de Pahlen que nunca se habían visto en los Estados Unidos: Gunmen in the streets y el que es objeto de estas líneas. Cuando este último estuvo listo para que se estrenase, la imagen de la revolución cubana entre los norteamericanos no era exactamente la misma que cuando se filmó. Su propaganda procastrista lo hacía mucho más apropiado para un país como la antigua Unión Soviética. Fue allí precisamente donde The Truth About Fidel Castro Revolution se proyectó, como parte del programa del Festival Internacional de Cine de Moscú. Tras eso, los negativos estuvieron guardados en Inglaterra durante cuarenta años.

Pero remontémonos varias décadas atrás, pues la historia de cómo se hizo Cuban Story es muchísimo más interesante que el documental mismo. A fines de los años cincuenta Flynn vivía en La Habana, donde era propietario de un cine, junto con su amigo y compañero de negocios Victor Pahlevin. Cuando ambos se dieron cuenta de los hechos políticos que estaban ocurriendo en el país, determinaron realizar juntos un documental. En lo que al actor se refiere, el proyecto no respondía a que simpatizase con la causa de los rebeldes. De hecho, como apunta David Kalat, Flynn se había reunido varias veces con su admirado Batista, y urdió con él un extravagante complot para asesinar a Castro. Tampoco es un secreto el hecho de que Flynn era un simpatizante declarado del fascismo. Pero se hallaba en sus horas más bajas como actor, y cuando vio que la caída del dictador estaba cercana, pensó, con más oportunismo que sentido de la oportunidad, que podía sacar de la situación un rendimiento económico.

Con un propósito parecido, Flynn se enroló también, como guionista, productor y protagonista, en otro proyecto sobre la recién triunfante revolución cubana. Me refiero a Cuban Rebel Girls (1959), una película que se mueve entre el documental y la ficción. En ella Flynn interpreta a un corresponsal de guerra que ayuda a Castro a derrocar a Batista. Al lado suyo trabaja Beverley Aadland, una chica de diecisiete años con quien entonces andaba (al parecer, tuvo una irrefrenable atracción por las jovencitas: en 1942 fue procesado por tener sexo en su yate con dos menores).

La película tuvo muy mala recepción en la prensa. En la reseña de The New York Times, uno de los diarios que la trató con menos dureza, se dice: "Con alguna experiencia adicional, la señorita Aadland podría calificar como aficionada. El señor Flynn no puede ser culpado por dar la apariencia de estar muy, muy cansado a lo largo de esta flemática cadena de acciones". Según los biógrafos de Errol Flynn, una vez que Cuban Rebel Girls estuvo terminada las buenas relaciones entre él y Castro cambiaron (hay quienes afirman que el proyecto contó con la colaboración del hoy convaleciente líder cubano), y que se vio obligado a tomar un avión para librarse de las represalias por haber hecho un filme cuyo contenido fue considerado como anticastrista.

Volviendo a Cuban Story, su principal valor hay que buscarlo en el testimonio que proporcionan esas imágenes tomadas desde dentro de los hechos. El haber sido sometidas a un proceso de remasterización para el DVD les da una calidad muy estimable, algo con lo cual se benefician. Pero como documental, no pasa de ser una sucesión deshilvanadas de secuencias, que no consiguen llegar a dar un panorama aunque sea rudimentario del nacimiento de la revolución cubana. Otro detalle en contra de Cuban Story es el hecho de no poseer sonido directo. Aparte de la narración, lo único que se escucha es la ya citada Marcha del 26 de Julio. Y a propósito del narrador, en el texto se da a entender que lo dice Flynn. Por ejemplo, al aludir a las gestiones que llevó a cabo para dar con Castro, comenta: "I think what helped was the fact that quite a few people know me. They may know that off the screen, I'm a simple, peace-loving, home-loving, law-abiding man with the heart of a child". (Decididamente, este señor o era gilipollas o nunca soltaba la botella). Pero la voz que se oye no es la de Flynn, y su acento es incluso muy británico. Hay quienes afirman que pertenece al propio Pahlevin.

Para concluir, quiero dejarles con un fragmento extraído de una de las numerosas reseñas que se escribieron sobre Cuban Story. Una aclaración necesaria para quienes no son muy cinéfilos: el largometraje Plan Nine From Outer Space fue realizado por Ed Wood, quien se consideraba a sí mismo el peor director del mundo. (Por cierto, Johny Depp hizo de él una entrañable caracterización en el largometraje que le dedicó Tim Burton). Hecha ya la aclaración, copio aquí el texto prometido: "Si a usted le gustó Cuban Rebel Girl, el semidocumental que fue la última película de Errol Flynn, le encantará Cuban Story. Pero ¿a quién en su sano juicio le puede gustar Cuban Rebel Girls? (Bueno, a los fanáticos de las películas realmente malas les gustará. Aparentemente, Michael Medved, Randy Dreyfus y Harry Medved no estaban al tanto de esto: Cuban Rebel Girls podría haberle arrebatado el puesto a Plan Nine From Outer Space en su Las peores películas de todos los tiempos). (…) Así que si usted está interesado en los años finales de Flynn, o en rarezas históricas de los últimos días de la Guerra Fría, Cuban Story despertará su interés. De lo contrario, Plan Nine From Outer Space le parecerá El ciudadano Kane".
(1) Errol Flynn no era norteamericano, sino australiano. Nacio en Tasmania, Australia, en 1909.

Friday, October 13, 2006

BING CROSBY: LA BIOGRAFIA DE UN VERDADERO SHOWMAN



Este 14 de octubre se cumplen 29 años de la muerte de la figura más popular e influyente de la música popular a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX; cuya ventas fueron multimillonarias y su impacto en otros cantantes, como Frank Sinatra, Perry Como, Dean Martin, Michael Buble entre otros, es indiscutible: Harry Lillis Crosby (Tacoma, Washington, EE.UU. 3 de mayo de 1903 - Madrid, España, 14 de octubre de 1977), conocido artisticamente como Bing Crosby, inolvidable cantante y actor norteamericano cuyo recuerdo aún perdura, como lo prueba la reciente decisión de renombrar un teatro de Spokane, la ciudad donde el músico creció, en su memoria.

BIOGRAFIA DE UN IDOLO

Bing Crosby, fue el cuarto de siete hermanos de una familia de clase media de Tacoma, Washington, que gustaba de cantar; sus primeras lecciones de canto las recibió de su madre. Su padre, Harry Lowe Crosby, es empleado en una cervecería y su madre es Kate Harrigan Crosby. En 1906, su familia se mudó a Spokane. Recibió el sobrenombre de "Bing" durante su infancia, cuando sus amigos comenzaron a llamarlo así, gracias al personaje de la tira cómica “The Bingville Bugle”. Admirador en sus años juveniles de Al Jonson, Crosby consiguió ver actuar a su ídolo en 1917. Cantó en la banda de jazz del instituto y posteriormente, en 1920 ingresó a la Universidad de Gonzaga (Gonzaga College) en Spokane para estudiar leyes. Su elección de carrera cambió luego que consiguió una batería y practicó con ella. Sucede que compró unos tambores ordenados por correo, y desde entonces estuvo mas interesado en tocar el tambor y cantar con la banda del pueblo, pues se unió a un grupo local llamado The Musicaladers, dirigido por Al Rinker un director de banda local, -quien tambien hacia las veces de pianista de la banda- que le invitó a unirse a su grupo y Bing empezó a cantar y tocar la batería con ellos. Cuando el grupo se disolvió en 1925, Bing y Al dejan el pueblo y se fueron a Los Angeles, donde se integraron al circuito del vaudeville. Su gran salto vino en una noche en 1926, cuando el director de orquesta Paul Whiteman lo escuchó cantar y lo contrató. La orquesta le ofreció un contexto adecuado para desarrollar su talento y a finales de los años veinte vivió una etapa de sincero romance con el jazz hasta que en 1929 decidió iniciar su carrera en solitario. Durante una presentación en el Paramount Theatre de New York en enero de 1927 surgieron algunos problemas. El teatro no tenía amplificación electrónica, y a la audiencia se le hacía difícil escuchar a Crosby y Rinker. Ellos cantaban con un tercer vocalista, Harry Barris. Luego, estos tres se convertirían en los Rhythm Boys, siendo la atracción estelar de Whiteman.

El gusto de Bing por pasarla bien eventualmente interfería con sus actuaciones. Fue arrestado por manejar en estado de ebriedad durante la filmación de la película “The King of Jazz”, interpretada por Whiteman y su orquesta. Esa fue la gota que colmó el vaso para Whiteman, que despidió al trío después de la finalización del rodaje de la película. Pronto encontraron trabajo con la banda de Gus Arnheim con el Cocoanut Grove en Los Angeles. Arnheim comenzó a presionar a Bing para que actuara como solista, y así, en enero de 1931 grabó la canción “I Surrender Dear”, su primer éxito como solista. Everett su hermano mayor, envía un disco de Bing interpretando "I surrender, dear" al presidente de la CBS. Cada vez más, las multitudes iban a escuchar la actuación solista de Bing, y los Rhythm Boys como grupo quedaron en un segundo plano. Bing comenzó a dejar de presentarse a sus actuaciones. El contratista decidió suspenderle los pagos, y Bing se marchó en señal de protesta, llevándose a los Rhythm Boys con el. Pero el contratista persuadió al sindicato de músicos locales para que no actuaran con el trio debido a que estos habían incumplido un contrato, y los Rhythm Boys fueron forzados a disolverse.

En los años treinta y ya como artista independiente, se convierte antes que nadie, en una estrella de la radio -cantó alli al menos una vez por semana, desde 1931 a 1962- a través de la cual se hizo presente en el hogar de millones de estadounidenses materializando una forma nueva de contacto, más íntima e individualizada entre el cantante y su público. El uso del novedoso micrófono le permitió amoldar su voz a las letras y no preocuparse de la fuerza como era lo habitual hasta el momento. Cabe señalar, que Bing fue el primero en explotar la nueva forma de canto con micrófono, creando un estilo marcado por lo que se denominó una "indiferencia natural", con un fraseo informal y una voz sin sobrecargos. Sin embargo, el carácter despreocupado y sentimental que al comienzo adquirió el canto con micrófono produjo el rechazo de los sectores más conservadores que sentían que se estaba desnaturalizando la verdadera forma de cantar. Este fue el caso de la BBC de Londres, que al recibir los primeros discos de Crosby en 1936 los rechazó por "sensibleros".

La novedad que introduce Crosby en sus comienzos está en que, lejos de seguir el patrón rítmico de la música europea, asume las innovaciones del jazz emergente y aporta a la canción popular el sentido del swing. Crosby admiraba y emulaba a Louis Amstrong, como es evidente en muchas de sus primeras grabaciones, como por ejemplo "Just One More Chance" (1931), pues en sus inicios de inspiró en Louis, quien le devolvió su admiración y una vez describió su voz como "oro que sobrepasa de una taza". El 'New Grove Dictionary Of Jazz' describe la deuda de Crosby con Armstrong de forma detallada, aunque no cite explícitamente a Armstrong: "Crosby...fue importante al introducir en la tradición del canto popular un concepto afroamericano de la canción, consistente en entender el canto como una extensión lírica del habla...Sus técnicas -alivio del peso del aliento sobre los acordes vocales, pasar de una voz predominante a una voz de registro bajo, emitir una dicción avanzada para ayudar a una enunciación distinta, cantar sobre las consonantes (una práctica de cantantes negros), y hacer un uso discreto de cualquier forma de enfatizar el texto - fueron emuladas por casi todos los cantantes populares siguientes."

Como vemos, el merito de Crosby es que despues de iniciarse en el entorno de la música ligera de Tin Pan Alley y las orquestas comerciales del momento, se convirtió en el primer cronner de la historia tras aprender de cantantes como Gene Austin o Russ Columbo, una serie de "susurradores" llamados así por su forma de cantar en voz baja y sin esfuerzo. Llevó el estilo crooning de los cantantes de jazz al ámbito de la música popular, adoptando una expresión sensual y ondulante, con voz de garganta, entonación con "portamentos" y la necesidad de cantar a menos volumen ante el micrófono. Este estilo se vinculó con facilidad a la llamada "canción melódica", interpretada por cantantes masculinos, donde destacaron junto a Crosby Al Bowlly (1898-1941) y Rudy Vallee (1901-1986). Todo ello le permite grabar en 1932 con la orquesta de Duke Ellington el tema: "St. Louis Blues"; abundando además los trabajos hechos con Ishan Jones, con los Mills Brothers o incluso con los hermanos Dorsey. Es tanta la calidad que atesora, y tanta la facilidad para el "scat" que sin ser exactamente un cantante de jazz, sitúa su arte a la vanguardia de aquella época junto a su héroe y maestro, Louis Amstrong. En 1934 firma un contrato con la DECCA -que continuará hasta 1955- y ello es un obstáculo para el desarrollo de su faceta jazzistica. Con esta casa discográfica, Bing grabó la mayor parte de las más de 1600 canciones que interpretó durante su carrera.

En la era del Lp, Crosby continúa poniendo su impecable voz en toda clase de proyectos siendo el mas notable de todos ellos, el álbum grabado para Verve en 1956 titulado: "Bing Sings While Bregman Swings". Los temas son de primera categoría y los arreglos de Bregman son un ejemplo de funcionalidad y simplismo aunque recuerda con frecuencia a los discos de Sinatra para Capitol. Sin embargo, dentro de la actividad como cantante de este artista, hay una canción que destaca indudablemente. Todo empezó en mayo de 1942, cuando grabó el villancico "White Christmas", que se dió a conocer en el film de Mark Sandrich "Holiday Inn", y fue no sólo la canción de Bing que más éxito logró, sino el tema que motivó que Bing Crosby se convirtiera en el padre y el rey de la música de Navidad, lo que sin duda merece un comentario especial dentro de su carrera artistica. Otras grandes canciones suyas fueron "True love", "Pennies from heaven", "Temptation", "Accentuate the positive", "Silent Night", "Swinging on a star", y un largo etcetera. Su repertorio, vinculado ocasionalmente al jazz, incluye temas de musicales, música para películas, country, canciones del oeste, estándares patrióticos, himnos religiosos, baladas étnicas (irlandesas y hawaianas) y, por supuesto, los temas de los grandes compositores estadounidenses: Kern, Porter, Van Hauesn, G. y I. Gershwin entre otros.

La voz de Crosby jamás ha podido ser igualada (menos aún superada); es cálida y basada en los graves, próxima a la de un barítono, y su forma de interpretar es ligeramente enfática en cuanto al tono. Su voz muy bella a los oídos, y al mismo tiempo de potente volumen, originó un estilo imitado por Frank Sinatra o Dean Martin, los cuales siempre consideraron a Crosby un ídolo. En una ocasión comentaria tratando de parecer gracioso, pero sin poder dejar escapar cierta amargura: "Frank (Sinatra) es uno de esos cantantes que aparecen una sola vez en la vida, pero...¿porqué justo apareció en la mía?". Sin embargo, es considerado el artista musical más exitoso de la historia. Crosby fue el primer "multi-media entertainer" del siglo 20: una estrella en la radio, en las películas y en los chart de discos más vendidos. Tuvo 38 singles en el No. 1, superando incluso a Elvis Presley y Los Beatles.

I'M DREAMING OF A WHITE CHRISTMAS...

En mayo de 1942, Bing Crosby entraba en los estudios de grabación del sello DECCA en Los Angeles para grabar la banda sonora de la película 'Holiday Inn', una cinta de la Paramount Pictures que él mismo protagonizaba junto a Fred Astaire y Marjorie Reynolds. Una de las canciones que grabó era el tema de Irving Berlin 'White Christmas', que inmediatamente se convirtió en la canción más popular de la pelicula y con el tiempo, también se convirtió en la canción más popular de Bing, pues su interpretación de "White Christmas" fue el single mejor vendido por más de 50 años hasta que en 1997 fue superado por "Candle in the Wind" de Elton John como tributo a la Princesa Diana. Actualmente, de 'White Christmas', la pieza que mejor define la Navidad, se conocen más 500 versiones, y del original, se han vendido más de 30 millones de copias. Como dato curioso, mencionaremos que durante la Guerra de Vietnam, un código secreto fue transmitido para informar a todas las fuerzas de EEUU que debían evacuar. Este código era que se tocaría dos veces la canción de Bing Crosby "White Christmas" en la Cadena de las Fuerzas Armadas en Vietnam (AFVN), seguida del anuncio "La Temperatura en Hanoi es de 105 y subiendo".

Siete años antes de publicar la canción 'White Christmas', en 1935, Crosby ya había grabado dos piezas de Navidad, 'Adeste fideles' y 'Silent night', que después en la década de los cuarenta fueron regrabadas por el propio Crosby consiguiendo el reconocimiento del público. En 1947, Bing Crosby grabó el tema de Mel Tormé 'The Christmas song (Chestunts roasting on an open fire)' que acabó popularizando Nat 'King' Cole. Dos años después, incluyó a su ya amplio catálogo de Christmas los temas 'The first Noel' y 'You're all I want for Christmas'.

En 1949 DECCA editó el primer álbum de Crosby dedicado íntegramente a la Navidad. Se titulaba 'Merry Christmas' -que también ha sido editado bajo el nombre de 'White Christmas'-, e incluía las canciones: 'Adeste fideles', 'Faith in our fathers', 'God rest ye merry gentlemen', 'I'll be home for Christmas', 'Silent night' y 'White Christmas', más dos temas cantados con The Andrew Sisters 'Silver bells' y 'Santa Claus is coming to town'. Fue el álbum de Navidad más vendido de todos los tiempos hasta la aparición del disco compacto.

Ya en la década de los cincuenta, llegarían sus interpretaciones de temas navideños como 'Rudolph the red-nosed reindeer', 'Looks like a cold cold winter', 'Sleigh ride', 'It's beginning to look like Christmas', 'Christmas in Killarney' y 'The first snowfall', convirtiendo a Bing Crosby en el rey de la Navidad.

EL CINE LLAMA A SUS PUERTAS.

Después de ser batería y cantante de orquestas de baile, mientras Bing estaba actuando en el Grove llamó la atención del productor de cine Max Sennett, que lo contrató para protagonizar seis cortos de comedia debutando con el film "El rey del jazz", en 1930. Esto y el éxito en la radio lo llevó a firmar un contrato casi vitalicio con la Paramount Pictures -estudios con los cuales realizó casi todas sus películas- que lo incluye en el elenco del primero de sus cincuenta y cinco films, "The Big Broadcast", en 1932, en la cual se presentan personajes favoritos de la radio. A partir de aquí empezaría su carrera hacia el éxito y la fortuna, pues por si fuera poco, sus discos y canciones causaban verdadero furor en la época. En ese mismo año, sus presentaciones en vivo desde Nueva York se transmiten por las emisoras nacionales durante veinte semanas consecutivas. El mensaje que transmite con sus canciones ("no es necesario mucho dinero para tener una vida feliz"), es el más indicado para la década de la Gran Depresión. Se cuenta que sus grandes orejas eran pegadas en sus primeros filmes, hasta que hizo "She Loves Me Not" en 1934.

Entre 1944 y 1948, Bing era el número uno en las taquillas del país. Sin embargo, nunca fue un genio de la interpretación, y de hecho, la mayoría de los papeles que le daban estaban totalmente hechos a su medida y con miras a su lucimiento personal y a la difusión de sus discos. No por ello dejó de mostrar estimables aptitudes dramáticas, que le valieron el Oscar al mejor actor por "Siguiendo mi camino" (Going My Way, 1944), donde su interpretación del sacerdote O'Malley -personaje que repetiría posteriormente en "Las campanas de Santa María" (The Bells of St. Marys, 1945), al lado de Ingrid Bergman- le convirtió en el personaje más popular de Norteamérica. Sin embargo, él mismo reconoció que no era el mejor actor del año y que el premio se debía más que nada a la simpatía y popularidad de que gozaba. Aqui podemos mencionar, que Bing Crosby fue el primer actor en recibir nominaciones al Oscar por un mismo rol, el Padre Chuck OMalley en dos films diferentes, los ya mencionados.

Su cine se fundamentó en aquellos años en la comercialidad más absoluta, -como lo sería despues la de Elvis- y buena muestra de ello fue la serie de comedias “Road to...”, inaugurada en 1940 que comprende algunas de sus películas más populares y que le emparejó con el cómico Bob Hope y la exhuberante Dorothy Lamour. Se trataba de comedias optimistas que mezclaban amor, humor y música, que tuvieron gran aceptación por parte del público. Esta serie de films se inició de manera curiosa. George Burns cómico y actor estadounidense, fue responsable indirecto junto a su esposa Gracie Allen de la aparición en el mundo del espectáculo de una de las parejas cómicas más famosas de la historia, Bob Hope y Bing Crosby. En 1938, William LeBaron, productor y director ejecutivo de la Paramount, tenía un guión preparado para ser protagonizado por la pareja Burns y Allen, junto a un joven llamado Bing Crosby. La historia no convencía mucho a la pareja, por lo que LeBaron pidió a los guionistas que reescribieran el guión para que fuera protagonizado por una pareja masculina. La película se llamó "Ruta de Singapur" (1940), fue protagonizada por Bob Hope y Bing Crosby, y ha pasado a la historia como la primera película de la pareja Hope-Crosby. Curiosamente, el 13 de octubre de 1977, un día antes de la muerte de Bing, el productor independiente Lord Lew Grade anunció que estaba reuniendo a Crosby, Bob Hope y Dorothy Lamour nuevamente para filmar "The Road to the Fountain of Youth," finalizando una serie de especulaciones sobre si el famoso trío iba a reunirse nuevamente o no.

No fue hasta 1954 cuando demuestra que también es un gran actor en su rol de alcohólico junto a Grace Kelly en el film "La angustia de vivir" (The Country Girl) pues por fin hizo un papel de envergadura, el de un actor de teatro hundido en el alcoholismo. Aunque el film es considerado menor, su interpretación es todavía recordada dentro de las peliculas que trataron esta temática. Su carrera cinematográfica ya decaería a partir de entonces, siendo su último gran papel el de Dexter Haven, al ser protagonista nuevamente junto a Grace Kelly y Frank Sinatra de su última gran pelicula, "Alta Sociedad" (High Society), en 1956, donde uno de los temas del film, "True love", batiria records de ventas. Posteriormente, sin embargo, su fama decaería en favor de otros artistas. El ritmo de sus actividades decayó obligadamente durante finales de los ’60 y principios de los ’70 debido a sus problemas de salud. Un tumor benigno fue extirpado de uno de sus pulmones en 1973. Luego de su recuperación, continuó con su carrera, grabando tres álbumes en los últimos tres años de su vida. El final sobrevino pronto. Fue en las afueras de Madrid, España donde habia llegado luego de realizar una gira por Inglaterra presentándose en el London Palladium Mientras se encontraba practicando golf, uno de sus grandes hobbies, Bing sufrió un ataque al corazón y falleció a los 74 años, el 14 de octubre de 1977.

LA CONTRACRÓNICA FAMILIAR

En cuanto a su vida personal, Bing se había casado en dos ocasiones; en primeras nupcias, con la actriz y cantante Dixie Lee en 1930, cuando la fama de ella en ese momento era mayor que la del propio Crosby, pero luego se retiró para criar a sus hijos. Del primer matrimonio tuvo cuatros hijos, todos varones, Gary, Philip, y los dos gemelos, Dennis y Lindsay. Este primer matrimonio se truncó en 1952 por la muerte de Dixie víctima de un cáncer de ovarios. Crosby volvió a casarse por segunda vez, con la tambien actriz Kathryn Grant en 1957, con quien tuvo dos hijos y una hija, Harry, Nathaniel y Mary Frances.
La fantástica vida de católico piadoso y humilde que Crosby mostraba ante las pantallas no se correspondía sin embargo, con la vida real. A poco de fallecer, su hijo Gary publicaba una biografía despiadada donde le acusaba de ser un padre rudo, inflexible, nada cariñoso y casi un sádico de una crueldad insospechada. De hecho, reconocía no haber sentido ninguna lástima el día de su muerte. Gary incluso acusó a su padre de haberse ido a rodar una película a París, estando su madre en fase terminal. Crosby dejó una cláusula en su testamento por la que sus hijos no podrían heredar su dinero hasta que cumplieran 80 años, mientras tanto recibirían dinero de un fondo. Lo irónico es que todos murieron antes que pudieran heredar.

No se sabe, además, a que se debió en los años 80 el suicidio casi consecutivo de dos de sus hijos, curiosamente gemelos. Hay quien sostiene que fue consecuencia de la penosa educación que sufrieron en su infancia y adolescencia. Sin embargo, parece ser que su segundo matrimonio, fue más avenido; su viuda, todavía viva en nuestros días, no ha compartido la visión de su hijastro, que pintaba la vida en la casa como un auténtico infierno.

Para acabar, y como datos anecdóticos, mencionaremos que siguieron los pasos artísticos de Bing con relativo exito, su hijo Gary, tambien cantante -incluso grabaron algunas piezas juntos-, su hija Mary Crosby, quien ha intervenido en la serie "Dallas" y su nieta Dennis, que protagonizó la serie "Star Trek" y algún film de cierto renombre, como "El cementerio viviente", basado en el original de Stephen King.

Friday, October 06, 2006

SALOMON Y LA REINA DE SABA: LA ULTIMA PELICULA DE TYRONE POWER

No podia ser otro el titulo y el tema para el primer articulo que escribo en este, mi auroral blog. Desde hace mucho tiempo pienso en la dramática y casi desconocida historia de la vida real que encierra esta pelicula, "Salomon y la reina de Saba" (1959), y es la ocasión oportuna para compartirla con ustedes.

Empecemos por algo de historia sobre el protagonista principal del drama. Tyrone Power (Cincinatti, Ohio, 5 de mayo 1914-Madrid, España, 15 de noviembre de 1958) provenia de una familia de amplia trayectoria artistica. Su padre fue un actor muy conocido en teatro y cine -murió en 1931, durante la filmación de "The Miracle Man", de un infarto-; su madre destacó tambien en el mundo artistico. El joven Power comenzó su carrera actoral muy temprano en producciones llevadas a cabo por sus progenitores y en el teatro. Gracias a su atractivo como protagonista de películas de argumento romántico y aventurero, fue contratado por la todopoderosa productora Twenty Century Fox, de la mano del famoso productor Darryl F. Zanuck. A través de esta empresa cinematográfica consiguió llegar a ser uno de los artistas más valorados de los años 30 y 40.

En esta primera etapa de la carrera actoral de Power, destacan las películas que realizo con Henry King, su director más habitual pues le dirigiria en 11 films, principalmente "Lloyds de Londres", "Chicago", "Tierra de Audaces" o "El cisne negro". Dentro de sus papeles más recordados, es inevitable mencionar los que encarnó en "El signo del Zorro" y "Sangre y arena" -esta última la pelicula favorita de Mario Vargas Llosa-, ambos filmes de Rouben Mamoulian. La carrera es ascenso de Power se interrumpió con el ingreso de los Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial, debido a que el actor decidio servir en la Marina estadounidense. Al regresar, las peliculas de aventuras de capa y espada habian pasado de moda para un público que habia conocido los horrores de la guerra.

Empieza entonces una nueva etapa en su carrera artistica, con papeles mas dramáticos, entre los que destacan los que interpretaria en "Al filo de la navaja", "El callejon de las almas perdidas", y principalmente "Testigo de cargo", esta última a lado de Marlene Dietrich y Charles Laughton, dirigida por Billy Wilder, -de la que hablaremos en un articulo especial, pues lo merece- hasta que finalmente en 1953, decide dejar la Twenty Century Fox con el propósito de empezar una carrera como actor independiente.

En cuanto a su vida personal, la lista de romances de Tyrone es larga, encontrándose entre sus conquistas Lana Turner y Anita Eckberg. Contrajo matrimonio tres veces, siendo su relación más duradera con la actriz Annabella. Estuvo casado tambien con la mexicana Linda Crhistian, con quien tuvo dos hijas y el 7 de mayo de 1958 desposo a la joven Debbie Ann Minardos, quien seria su última esposa. Es en este momento que le llega la propuesta para interpretar el que podia haber sido el papel de su vida... o de su muerte.

Asi pues, estando recien casado, Tyrone recibe la propuesta del productor Ted Richmond para un papel soñado: interpretar a Salomón, el sabio rey de Israel, en la superproducción bíblica hollywoodense de seis millones de dólares "Salomón y la reina de Saba", donde compartiría roles con una de las bellezas italianas más famosas de entonces, Gina Lollobrigida. Tyrone no podia dejar pasar semejante oferta, y el 5 de septiembre de 1958 llego a Madrid, acompañado de su flamante esposa, quien se encontraba embarazada (ver imagenes de la llegada al aeropuerto).




Sería largo mencionar las anecdotas del más que accidentado rodaje, como por ejemplo las disputas entre la estrella de la pelicula, Tyrone Power y el director King Vidor -el mismo de "Duelo al sol"-; la presencia de los agentes de Franco entrometiendose en practicamente cada escena, el revuelo causado entre los españoles por la presencia de la deslumbrante Gina Lollobrillida, entre muchas otras. Pero ninguna tan impactante como la que ocurriria cuando faltaba poco para finalizar el rodaje de la pelicula.




El 15 de noviembre de 1958 estaba programada la filmación del duelo entre los personajes de Salomón, interpretado por Tyrone Power y Adonias, interpretado por George Sanders. Eran aproximadamente las doce del mediodia cuando se dio inicio al rodaje de lo que seria el momento estelar de la pelicula. Quienes han visto el film, saben a lo que me refiero. La reina de Saba yace en el suelo, apedreada por el pueblo, mientras su rey amante llega despues de una gran victoria militar gracias a su proverbial sabiduria, enfrentándose a su hermano usurpador en un duelo a muerte a fin de recobrar trono y amada. Nada mejor que contemplar las imagenes de la filmación del duelo, para darse cuenta que ambos actores realmente se habian tomado sus personajes más que en serio. Sin embargo, pocos minutos despues Power se sintió mal. Bebio una copa de brandy, encendió un cigarrillo y se desplomó. Fue inmediatamente llevado al hospital más cercano, aún vestido con las ropas del rey Salomón, en el automóvil de Gina Lollobrigida, pero todo fue inútil. Habia sufrido una angina de pecho que habia acabado con su vida.




Lo que ocurriria despues fue igualmente trágico y lamentable. Los productores de común acuerdo con el director, en lugar de finalizar lo que quedaba de rodaje con un doble, decidieron volver a filmar todas las escenas de la pelicula en las que intervenia el personaje de Salomón. Contrataron a Yul Brynner, para que reemplazara al difunto y las escenas rodadas por Tyrone Power en esta pelicula, quedaron para siempre en el archivo. Bueno, casi todas. Como si de un "homenaje" se tratara, el director King Vidor anunció que incluiria en el montaje final de la cinta, aquellas escenas en las que Power aparecia de espaldas. Cuando la pelicula se estreno en navidad de 1959, el público acudió en gran medida para contemplar al menos esas escenas, las únicas que podemos contemplar del personaje en el que el gran actor que fue Tyrone Power, habia dejado su vida.

Thursday, October 05, 2006

SALUDOS AMIGOS

Hola. Debo confesar que estoy un poco emocionado. Aún no puedo creer que crear un blog sea tan fácil; y solo lo creeré cuando vea publicadas estas primeras palabras de bienvenida a todos los que lean lo que escriba aquí. Me parece emocionante poder expresar todo lo que pienso sobre determinados temas y que esto pueda ser compartido con otros a través de las publicaciones que espero realizar. En este blog abordare diversos temas, cine, política, literatura, etc. Ojala alguien aparte de mi lo vea y en todo caso espero leer sus comentarios, criticas y aportes. DE TODO. Espero poder hacer nuevos amigos y conocer mucha gente que tenga mis aficiones... Hace tiempo lei el blog de una amiga, y de otra gente aun sin conocerlos, y siempre quise crearme un blog pero pense que era mas difícil. Por motivos de tiempo recién ahora lo pude hacer... Empiezo hoy. Deseenme suerte...! Nos vemos. Gracias